Torna alla luce - stavolta solo in formato digitale, dopo una prima apparizione in cd a tiratura limitatissima nel 2007 - la registrazione effettuata il 29 giugno 1980 a Sens (Francia) di un breve e raro duetto di Peter Brötzmann (1941-2023) con l'amico carissimo (e quasi perfetto coetaneo) Harry Miller (1941-1983). Alla pubblicazione provvede a Chicago, oggi come allora, Corbett vs. Dempsey: Brötzmann & Miller.

Although they worked together extensively, including their trio with drummer Louis Moholo, Peter Brötzmann and Harry Miller rarely played as a duet. The German saxophonist and clarinetist was extremely fond of the South African bassist, who was a mainstay of groups like Chris McGregor's Brotherhood of Breath and his own ensemble Isipingo. Three years before his untimely death in a car accident in 1983, Miller joined Brötzmann for a short set of improvisations and a version of bassist Charlie Haden's classic Song for Ché, demonstrating their tremendous kinship and the warmth that was an underacknowledged part of the saxophonist's fiery musical persona. The late Dutch producer Dick Lucas, who started Data Records, offered his audience recording of the concert to Corbett vs. Dempsey. It was issued in 2007 in an edition of 200, with the first 50 hand-signed by Brötzmann.

https://corbettvsdempsey.bandcamp.com/brotzmann-miller

Vedrà presto pubblicazione ufficiale in cd il solo che Eugene Chadbourne ha tenuto al Mezzaria di Bologna lo scorso 14 maggio, prendendo spunto per il titolo dall'attività ludico-sportiva che in una delle sale del club - proprio a fianco del palchetto allestito per il musicista - è proseguita ininterrotta per l'intera durata del concerto (e oltre): Night of the Living Ping Pong. Nel darne annuncio il Nostro ricorda anche la speciale chitarra (non sua) imbracciata quella sera: "A borrowed pink Chinese Squier Stratocaster that sounded like oven roasted potatoes in a trattoria played through a vintage Farfisa amp."

https://eugenechadbourne-documentation.squarespace.com
https://tinyurl.com/LivingPingPong

Elliott Sharp ha contribuito brevemente anche alla realizzazione di Daddy and the Muscle Academy, documento sulla vita e le opere di Touko Laaksonen (1920-1991), universalmente noto come Tom of Finland. autore nel secolo scorso di immagini di grande e gioioso appeal erotico dal fortissimo impatto socioculturale oltre che artistico. Le musiche sono disponibili a sé stanti in formato digitale presso Bandcamp e presenti naturalmente nell'omonimo dvd - di non facile reperibilità, però rintracciabile tramite Vimeo - prodotto da Kino Lorber l'anno stesso della morte dell'artista, intervistato appena in tempo dal regista Ilppo Pohjola. 

Tom of Finland (Touko Laaksonen, b. 1920, d. 1991) is widely regarded as one of the twentieth century’s most influential artists for his groundbreaking representation of the male figure. In his youth, Tom trained at an advertising school, but what he would come to call his “dirty drawings,” which he first began developing as a teenager, were the true focus of his attention, both during this formative period and throughout the entirety of his life. These masterful renderings of virile men engrossed in acts of homoerotic desire can be approached along several interpretative lines - art historical, social, technical - but each of them points to the revolutionary nature of his project. A master draftsman, whose passion for both his medium and his subject matter enabled him to become a powerful cultural force, Tom gave form to an imaginative universe that in turn helped fuel real-world liberation movements and enabled gay men to access their strength in new ways. Tom’s drawings reaffirm the centrality of sexuality, joy, and the body in all areas of human endeavor.

https://elliottsharpsoundtracks.bandcamp.com
https://www.tomoffinland.org
https://vimeo.com/172563418

Altra opera di Elliott Sharp che ha tra le vicende del suo protagonista il suicidio, questa volta in carcere, è Binibon, contemporaneamente un ritratto della Lower East Side neworkese dei primi anni Ottanta - dove il locale era frequentatissimo e aperto a ogni ora - e dei tragici fatti lì avvenuti per mano di Jack Henry Abbott, notorio criminale giunto alla ribalta anche delle cronache letterarie dopo la pubblicazione di In the Belly of the Beast (1981), una cruda denuncia del sistema carcerario statunitense costruita sulle sue lettere scritte da detenuto, con il patrocinio dello scrittore Norman Mailer. L'opera ha subìto nel tempo diverse mutazioni, sia precedenti sia successive alle rappresentazioni sceniche prodotte nel 2012 da The Kitchen con la controversa regia di Tea Alagic; la si ritrova in cd (Henceforth Records, 2010) in forma di articolato radiodramma fedele al libretto originale di Jack Womack.

Scrive Sharp: "The Binibon was a cafe and 24-hour hangout on 2nd Avenue at 5th Street in the East Village, a nexus for artists, musicians, neighborhood characters and bohemians true and faux. It was a place in which I spent many an hour drinking bottomless cups of terrible coffee during 1979-81, meeting people, reading, hatching projects, observing, listening. Typical guests at the Binibon might include various No Wavers and Lounge Lizards; bebopper Jimmy Lovelace and free-jazz gypsy Don Cherry; Jean-Michel Basquiat; William Burroughs; Quentin Crisp; Kid Creole, Coati Mundi and The Coconuts; Johnny Thunders; Keith Haring; Allen Ginsberg; Liquid Liquid; avant-garde filmmakers, actors and directors famous and non-. I was friendly with the all of the staff at Binibon and the events that unfolded affected me greatly."

https://elliottsharpoperas.bandcamp.com/album/binibon

Nell'ambito della propria multiforme produzione artistica Elliott Sharp ha spesso dedicato attenzione al teatro musicale e all'opera, con composizioni piuttosto complesse e originali sia negli aspetti scenici sia in quelli testuali e musicali: ad esse riserva un intero capitolo ('Acts and Spectacle') nel suo IrRational Music (Terra Nova Press, 2019), citando molti esempi da Innosense a Filiseti Mekidesi a A Passionate Journey, mancando di indicare - solo perché successiva all'uscita del libro - la recente Die größte Fuge. Una delle più interessanti è Port Bou, dedicata alla figura di Walter Benjamin, celebre filosofo, saggista e critico letterario tedesco di famiglia ebraica morto suicida esule in Catalogna nel 1940 temendo di essere catturato dalla Gestapo: la si puà ascoltare in cd (Infrequent Seams, 2014) oppure tramite Bandcamp, forte dello splendido canto di Nicholas Isherwood in piena ambientazione da 'Seconda Scuola di Vienna' e accompagnata dal lusinghiero apprezzamento del regista, sceneggiatore e produttore cinematografico Volker Schlöndorff: "L’agonia e lo smarrimento radicale di chiunque, la notte prima di chiudere la porta al mondo, sono difficili da tradurre in note musicali, e lo è ancora di più l’angoscia di un filosofo, la sua Angst. Eppure è possibile, e la sua voce, questa voce particolare, che vaga per una stanza d’albergo in esilio, ne è la prova. Un’impresa metafisica."

https://elliottsharpoperas.bandcamp.com/album/port-bou

Debutta domani al Jiří Myron Theatre di Ostrava, capoluogo della Moravia-Slesia in Cechia, l'opera Substance: The Infinite Spinoza concepita da Elliott Sharp tempo fa e ora giunta a compimento con il concorso di Petr Kotík, Carolina Arandia, Pavla Beranová e naturalmente Janene Higgins. Qualche momento delle prove e del suggestivo allestimento multimediale è documentato tramite Instagram. 

E' un atto unico per tenore (Valentino Blasino), coro a sei voci, ensemble da camera e partitura elettronica eseguita dal vivo dallo stesso Sharp. Trae ispirazione dalla filosofia di Baruch Spinoza (1632-1677) e dalla sua concezione dell’infinito. Spinoza definì il concetto di sostanza un’essenza onnipervadente che esiste in sé stessa come manifestazione dell’infinito, indipendente dai dogmi o dalle gerarchie ecclesiastiche. A causa delle sue idee, entrò in conflitto con i membri più anziani della comunità ebraica di Amsterdam, fu accusato di ateismo e, di conseguenza, scomunicato ed esiliato. Lavorò quindi come molatore di lenti per mantenere la propria indipendenza intellettuale ed economica, rifiutando cattedre universitarie per evitare censure, e divenne un artigiano stimato. La sua professione lo portò a contatto con l'ottica, influenzando profondamente la sua visione filosofica sulla conoscenza, ed è proprio la lente d'ingrandimento uno degli stratagemmi scenici scelto ora da Sharp: "The work presents an immersive experience connecting philosophy, video, sound and music. The variable framework references Spinoza's profession as a lens grinder - the main scenographic motif is an imaginary lens through which we observe the infinitely small and infinitely large worlds. The same principle permeates the sound design: key words and phrases are magnified, decomposed, transformed into abstract textures and returned to concrete form - from simple matter to the infinite universe."

https://kdykam.com/en/event/11571

Other Minds celebra il centenario della nascita del geniale David Tudor - interprete principale della cosiddetta New York School degli anni Cinquanta e Sessanta (Cage, Feldman, Brown, Wolff), legato in particolare ai rivoluzionari lavori del coreografo Merce Cunningham, oltre che assoluto pioniere dell'uso in concerto dei live electronics - con due speciali giornate di concerti e seminari questo fine settimana presso il così rinominato Mills College at Northeastern University a Oakland, California. Fulcro del programma è l'esibizione dello storico Composers Inside Electronics, riformatosi dopo lunga inattività nel 1996 per accompagnare le esequie del compositore e di cui ancora fanno parte due componenti del nucleo orginale, Paul DeMarinis e John Driscoll. Verranno illustrati ed eseguiti tra l'altro Forest Speech, Microphone e Pulsers.

David Tudor's (1926-1996) first professional activity, at 16, was as an organist. He became a leading avant-garde pianist, with highly acclaimed first performances of compositions by contemporary composers, before moving in the mid-1960s to the composition and performance of “live electronic music.” In the early 1950s, at Black Mountain College and in New York, he formed relationships with artists with whom he continued to work during his entire career: John Cage, Merce Cunningham, Robert Rauschenberg, Christian Wolff, and others. He became the pianist for the Merce Cunningham Dance Company and he and John Cage toured during the 1950s and early 1960s with programs of Cage’s works. In the late 1950s he had an important presence at Darmstadt, where he worked with and influenced Karlheinz Stockhausen, Cornelius Cardew, and other members of the European avant-garde. His own compositions appeared in the mid 1960s: Bandoneon! (1966), a composition for “Nine Evenings, a project of Experiments in Art and Technology”; design and composition of the Pepsi Pavilion, Expo ’70, Osaka, Japan, also an EAT project: and, from 1976, as a founding member of Composers Inside Electronics, a music ensemble whose members perform collaborative compositions with home-built electronic circuitry. Tudor’s first composition for the MCDC was for Cunningham’s Rainforest in 1968. Tudor assumed the post of Music Director of MCDC in 1992. Tudor’s last work for Cunningham was Soundings: Ocean Diary, the electronic component of the score for Ocean (1994).

https://www.otherminds.org/a-david-tudor-centennial-program

La rivista online It's Psychedelic Baby! propone una bella intervista di Klemen Breznikar a Eddie Prévost condotta toccando vari temi tra cui naturalmente AMM - con particolari finora poco noti circa la registrazione nel giugno 1966 dello storico album AMMMusic - e le vicende della Matchless Recordings, il recente libro An Uncommon Music for the Common Man scritto in condizioni personali di crescente difficoltà, pungenti considerazioni su cultura occidentale, musica improvvisata, accademia, punk e Thurston Moore: Eddie Prévost On AMM, Free Improvisation And Why No Sound Is Innocent.

https://www.psychedelicbabymag.com/eddie-prevost-interview

Pat Thomas incontrò la Glasgow Improvisers Orchestra per la prima volta l'anno scorso, appunto a Glasgow, e ne nacque un bell'omaggio a Thelonious Monk ora riportato da Scatter: Celebrating Monk. In programma tra le altre cose c'era un curioso brano contenente frammenti di ogni singola composizione monkiana (Every Thelonious Monk Tune in 10 Minutes), oltre a una speciale dedica a un altro grande, Brian Wilson, a pochi giorni dalla scomparsa. Scrive Raymond MacDonald, sassofonista e fondatore dell'ensemble, proprio a proposito di GOK (cioè God Only Knows): "This piece is a tribute to Brian Wilson, who passed away two weeks before the concert. Not necessarily an obvious choice for inclusion in a jazz festival, however, Brian Wilson’s unique compositional voice and immense influence over generations of musicians gives him a similar status to Thelonious Monk within the musical firmament. My own musical identity was partly forged in the 1980s in the indie pop world of Glasgow where Brian Wilson was, and remains, one of the doyens of the local scene. I devised this piece to commemorate his 60th birthday in 2002."

https://scatterarchive.bandcamp.com/celebrating-monk

E Chris Searle è domani sera a Londra al Cafe Oto per presentare personalmente Global Groove: Words of a Jazz Cosmos, la più recente raccolta di interviste e recensioni musicali prodotta da Jazz in Britain scegliendo tra centinaia di suoi scritti pubblicati via via negli anni sul Morning Star. L'incontro pubblico, atteso e piuttosto raro, fa da apripista al concerto del trio di Pat Thomas, Olie Brice e Gary Willcox promosso anch'esso dall'etichetta di John Thurlow e Pete Woodman con un cd fresco di stampa, The Day After.

Tonight sees the release of two works by Jazz in Britain artists and affiliates: The Day After from the trio of Pat Thomas (piano), Olie Brice (double bass) and Gary Willcox (drums), plus writer Chris Searle's new book, Global Groove. 

Each artist on The Day After is a bandleader / solo artist in their own right and has great experience playing as part of small groups, large ensembles, using electronics and collaborating with artists & musicians from other countries. Their eclectic backgrounds, shared love of modernism within tradition and individual drives combine to create an exciting and thoughtful trio.

'Global Groove' is Chris Searle's fourth book on jazz, following 'Forward Groove' (2008), 'Red Groove' (2013) and ‘Talking The Groove’ (2024). Throughout its pages he mixes his reviews with dozens of interviews with jazz veterans, established virtuosi and younger musicians - who Art Blakey called 'new stars of the jazz firmament'. He shows how through more than a century of its existence, jazz has grown hugely in its internationalism and inclusiveness, always remaining a campaigning and evolving music with its aims rooted in a quest for freedom, popular justice and astonishing, boundary-breaking artistry.

https://www.cafeoto.co.uk/events/jazz-in-britain
https://jazzinbritain1.bandcamp.com/global-groove

Chris Searle presenta ai lettori del Morning Star l'album in solo di Mike Westbrook (1936-2026) uscito appena in tempo per il suo novantesimo compleanno, The Piano In The Room And The Blues, riportando un commento dell'affezionato Chris Biscoe: "I think he liked to see himself as ‘the piano player in the band’. He was particularly fond of setting the scene, whether it be extended introductions to trio pieces, or playing several choruses at the start of a band piece. This wouldn’t be a ‘solo’ but, as in the start of On Duke’s Birthday, a build-up and preparation for the band to enter. I don’t think I ever heard him play a solo in the middle of a piece." Da sottoscrivere in pieno è anche la conclusione di Searle: "Here Mike is alone with his keys, but there is no solitariness. Solo virtuosity, emotional depth, imaginative empathy with all humanity all ring out in a record of unique musicianship from a man whose strength of sound pealed through the second half of the 20th century in so many forms, from Blake’s minstrel and the people’s brass bandleader to a true orchestral troubadour of freedom. This album gives yet another expression of his protean genius."

https://morningstaronline.co.uk

 

Phantom Leg è il duo di improvvisazione che Geoff Leigh e Richard Harrison hanno costituito un paio d'anni fa, debuttando via Bandcamp con Booting Up, ripreso dal vivo - ma senza pubblico - a Manchester. Lo scorso primo maggio hanno rinnovato l'incontro - questa volta a Liverpool, negli spazi di una delle più antiche stazioni ferroviarie al mondo - su invito del collettivo artistico Metal: Metal May Day.

https://geoffleigh.bandcamp.com/metal-may-day

La registrazione audio era tutt'altro che perfetta, anche se ora all'ascolto un po' è migliorata grazie all'intervento di John Edwards. Ma il concerto è stato intenso e coinvolgente, tanto che sia Caroline Kraabel sia Paul Lytton hanno voluto fosse documentato per intero: è su Bandcamp con il titolo Parzellen: Kraabel_Lytton, 19 April 2026, dal nome del club di Dortmund (Germania) dove il duo si è esibito appunto un paio di mesi fa.

https://carolinekraabel.bandcamp.com

https://lytton1.bandcamp.com

Moholo-Moholo e Tippett li si rivede insieme in alcuni rari filmati aggiunti di recente da Sergio Balletti alla sua galleria video su YT, a testimonianza delle galvanizzanti avventure collettive pugliesi con Canto Generàl a Foggia, Bari e Ruvo di Puglia nei primi anni Duemila: qui ci sono tra gli altri Mra, You Ain't Gonna Know Me 'Cos You Think You Know Me e parti di Septober Energy.

https://www.youtube.com/@sixmusictemple7486

In questi giorni ricorre anche l'anniversario, il sesto, della scomparsa di Keith Tippett (25 agosto 1947 - 14 giugno 2020): ne scrivono con affetto e grande ammirazione Chris Searle (su Morning Star) e Mark McKergow (in All About Jazz) nel recensire il volume biografico Mujician realizzato da Martin Phillips per Jazz in Britain.

Così Searle in 'A Bristolian genius of the keys': "Phillips’s biography is a work of love and deep admiration for a great musician, but it also expresses an intimate understanding of Tippett’s artistry and pedagogical commitment. It includes a photograph of them both walking along the riverside in Budapest. The author had set up a cultural exchange in the Hungarian city of Pecs between young Hungarian and Devonian musicians, with Tippett’s teaching as its focus. Music and education were entwined in Tippett’s life, and as Phillips tells us, he has left much for those who follow. Tippett’s influence is manifold and rare across many soundscapes, but in all his pursuits he pledged to his listeners: “May music never become just another way of making money! - with the key word ‘just’!” He was full of warmth and brotherliness, a feeling I still sense beneath his every recorded note."

https://www.facebook.com/KeithTippettOfficial
https://morningstaronline.co.uk/article/bristolian-genius-keys
https://www.allaboutjazz.com/mujician
https://jazzinbritain1.bandcamp.com/mujician-the-authorised-biography

Nuova occasione di ascoltare Louis Moholo-Moholo la offrirà presto la pubblicazione di alcune registrazioni effettuate a Londra nel novembre 2000 in duo con Larry Stabbins, incluse in un prezioso documento d'archivio prodotto da Jazz in Britain che conterrà duetti inediti di Stabbins anche con Keith Tippett registrati nei Maida Vale Studios londinesi nell'ottobre 1983. L'uscita del cd, in cinquecento copie, è prevista per la fine di luglio: il titolo è And the birds sang.

Jazz In Britain is proud to announce the release of And the birds sang, a collection of duets featuring Larry Stabbins in partnership with Keith Tippett and Louis Moholo-Moholo. Three improvisations recorded in 1983 at Maida Vale Studios in London by Stabbins and Tippett explore the full range of the players’ respective instruments, from gentle melodies to full-blown assaults on the senses and, at one point, a beautiful rendition of Cole Porter’s ‘Every Time We Say Goodbye’. Sandwiched between the Stabbins/Tippett pieces are four improvisations from a 2000 performance by Stabbins and Moholo-Moholo at that bastion of the London improvised music scene, The Klinker Club. These pieces again show how the astonishing level of understanding and almost telepathy that had developed between the performers over many years.

https://jazzinbritain1.bandcamp.com/and-the-birds-sang

Louis Moholo-Moholo è 'in paradiso' già da un anno, come commentava ieri da Cape Town la giornalista, archivista e podcaster Atiyyah Khan: "Today marks one year since our beloved elder Louis Moholo-Moholo transitioned to join that 'band made in heaven.' We miss you Bra Louis. The world has not been the same since you left us but we remember your teachings always. Sending love to friends and family still grieving."

Lo salutò a suo tempo, tra i mille altri, anche Luigi Onori, riportando per il manifesto (Moholo-Moholo, il «griot dei tamburi») un personale ricordo di Hazel Miller: "Ho incontrato Louis quando io e Harry ci siamo messi in contatto con i Blue Notes arrivati in Gb nel 1965. Harry era felice di essere in un rapporto empatetico con i musicisti sudafricani e tra loro si formò rapidamente un forte legame. Fino a quando nel 1970 Chris McGregor e Harry mi convinsero ad aiutare nell’organizzazione dei Brotherhood of Breath, ero come un’amica di famiglia della comunità sudafricana. Harry e Louis avevano già iniziato il loro intenso legame nel Mike Osborne Trio. Louis è stato un musicista eccezionale e ha dato un importante contributo all’entusiasmante sviluppo del jazz nel Regno Unito e in Europa negli anni Settanta. Il suo impegno per la musica e la lotta per la libertà sono stati la parte più importante della sua vita, quella di un uomo che ha illuminato il mondo che ci circonda. I tanti anni che ho trascorso ad aiutarlo a volte sono stati difficili, molte altre straordinariamente meravigliosi. Passavamo ore a parlare di affari mondiali e politica, di cui era estremamente esperto. Una persona simile ci mancherà moltissimo, ma è meraviglioso averla condivisa per tanti anni, ultimo membro di quello straordinario gruppo di musicisti sudafricani che ha portato un nuovo e vibrante approccio africano all’espansione del jazz europeo e della musica improvvisata. Lo abbiamo ricordato con i musicisti con cui ha lavorato e molti amici il 27 agosto al 100 Club di Londra, luogo dove gli abbiamo detto addio".

https://ilmanifesto.it/moholo-moholo-il-griot-dei-tamburi

Prende il via oggi a Londra un fitto programma di quattro giornate dedicate al poliedrico genio artistico e musicale di Tony Oxley, batterista e percussionista pioniere del free jazz britannico, sperimentatore nel campo dell'elettroacustica e dell'elettronica, insegnante e anche pittore, scomparso a Natale del 2023 all'età di ottantacinque anni. Principale promotore assieme alla vedova, Tutta Oxley, è Mark Wastell, che ha allestito due cicli consecutivi di eventi presso le sedi amiche della Hundred Years Gallery ('Tony Oxley: Combination') e del Cafe Oto ('Tony Oxley: Baptised Travels') con concerti, proiezioni, esposizione e vendita di manufatti artistici originali, momenti di confronto tra appassionati e in via eccezionale la ricostruzione completa del particolarissimo set percussivo ideato da Oxley, custodito nella sua casa a Viersen (Germania) e lì rimasto inutilizzato da oltre quindici anni. Il calendario completo delle iniziative è su FB, mentre alcuni rari materiali discografici - molti in unica copia - li rende disponibili lo stesso Wastell tramite la sua etichetta Confront Recordings. 

Tony Oxley (1938-2023) is admired the world over as an extremely influential improvising drummer, band leader and educator. In addition to his drumming legacy, Oxley was also a prolific and very accomplished abstract-figurative painter. Visual art was an essential part of Tony’s personality, another way in which he was able to reveal his inner self and connect with the wider realm. Initially encouraged to start painting by his musical collaborator and friend, renowned Scottish artist Alan Davie (the influence of which is very apparent in Oxley’s early works from the 1970s), Tony navigated his way visually across five decades, working his way through many different styles, stages and approaches. Much like his music, complex textures, spontaneous gestures, and a sense of continually-flowing structure, are evident in Tony’s work. His paintings adorn dozens of album covers and he often performed his music to a backdrop of projected images. Oxley occasionally exhibited to the public in his home town of Viersen in Germany. This is Tony Oxley’s first ever exhibition in the UK, and anywhere in the world outside of Germany!

https://www.facebook.com/mark.wastell.9
http://hundredyearsgallery.co.uk/exhibition-tony-oxley-combination
https://www.cafeoto.co.uk/events/tony-oxley-baptised-travels
https://confrontrecordings.bandcamp.com/merch

 

Sarà disponibile in cd da agosto, ma in formato digitale lo si può già ascoltare tramite Bandcamp: è l'atteso album del sassofonista Marc Hadley - il primo realizzato a proprio nome come titolare - contenente tra mille riferimenti canterburyani anche le ultime registrazioni in studio del compianto Phil Miller: How To Cut Water. 

L'autore ne parla per esteso a Phil Howitt per Facelift: "​This record was inspired by my time playing with Phil Miller, who had a built-in preference for the road less-travelled, thus he might choose to write a 5/4 melody rather than a 4/4. My connection to Phil came via bassist Jack Monck; the first bassist in one of the Canterbury origin bands, Delivery. After decades of orbiting one another, Phil, Jack, the late Paul Dufour, and I finally formed a quartet, recording a studio demo in 2016. ​Following Phil’s death in 2017, I was left with a sense of unfinished business. We had a collection of tunes to which Phil had been a generous contributor, including the enigmatically challenging piece he called Thing in 5. To capture Phil’s lifetime of fluid, evolving influence felt like a creative and emotional attempt at “cutting water” - trying to impose shape on an element that inherently resists it. I’ve felt at times with my own writing that I’m actually fishing for something I didn’t conceive but already exists - it just doesn’t want to linger in one place and time very long."

https://marchadley.co.uk
https://marchadley.bandcamp.com/album/how-to-cut-water
https://canterburyscene.com/an-interview-with-marc-hadley

 

Hugh Hopper e il suo distintivo utilizzo del fuzz-box sono in bella evidenza anche in Illusion, secondo capitolo degli Isotope che Esoteric e Cherry Red Records ripresentano in questi giorni nel box Upward Curve-The Recordings 1973-1976. Ci sono tutti gli album ufficiali del gruppo, più alcune sessioni registrate dal vivo per la BBC nel 1973 e 1974 e un pugno di brani ritoccati nel 2001; per una più completa conoscenza dell'impatto dal vivo della formazione guidata da Gary Boyle nel periodo clou del jazz-rock britannico rimangono però ineludibili i documenti pubblicati qualche anno fa da Hux (Live at the BBC, 2004) e Cuneiform (Golden Section, 2008).

Della sua breve permanenza nel gruppo disse Hopper: "We played a lot of gigs with Isotope, touring all the time in the UK and Europe and once in the States. The band had good sponsorship and backing, and jazz-rock was almost desirable for a few months in 1974-75! We were playing at least four or five times a week, all the time. Isotope certainly was good for me from the point of view of doing a lot of music. Since we were gigging so much, I was probably playing with more technical facility than when I was in Soft Machine."

https://www.cherryred.co.uk/isotope-upward-curve